NO RESULTO LA PELÍCULA DE MIS SUEÑOS...

Es difícil hacer un post con una crítica a una película de uno de tus directores favoritos. Eso es lo que me pasa a mí con Woody Allen, después de tener obras maestras como Annie Hall, Manhattan, Match Point entre otras; me cuesta hablar sobre su última película “Conocerás al hombre de tus sueños” en donde me parece, Allen nos lleva por la misma fórmula a la que nos tiene acostumbrados, pero esta vez -y para mi gusto-, sin tanta fineza y elegancia. La película resulta sencilla de ver, contrariamente de lo que pienso de anteriores comedias de Allen como “Los enredos de Harry”. Parece una película hecha a la medida, los personajes -aunque con un gran argumento- alleano, es decir basados en las frustraciones y la soledad, no pasan de ahí, no cierra historia; nos quedamos con la sensación de lo patético y la incredulidad, pero no llega al toque de comedia que nos hace reírnos hasta de nosotros mismos al sentirnos identificados con aquello que hay en la pantalla.

Personajes clichés: un viejo Alfie (Anthony Hopkins) y su matrimonio con Helena (Gemma Jones), donde aquél la abandona para vivir los últimos años de su vida como el joven que nunca pudo ser tras conocer a una prostituta a la que cree, le puede cambiar la vida. Por otro lado tenemos a Sally (Naomi Watts) casada con un escritor fracasado, poco activo y aburrido; Sally quiere un hijo pero nunca se embaraza, empleada de Antonio Banderas con el que vive una fantasía de infidelidad y desliz que no se concreta… en medio de todo esto y casi sin justificación aparece la vecina ardiente, sexy y despreocupada, que roba la mirada de Roy.

Planteamientos éticos sobre el robo, la infidelidades, el ultraje, que no pasan de ahí… y el final, como para darnos atole con el dedo a las mujeres, el arrepentimiento retardado de dos de los personajes infieles; la frustración de cada uno de ellos y el triunfo de Helena que parecía la más perdida. En fin, una mirada y mezcolanza a todas las formulas de Allen y sus películas, sin elegancia y con poca gracia. Una película  simple, sencilla y digerible de Allen, no muy apreciada por los seguidores del director que siempre esperamos más de él. Aunque finalmente no puedo dejar de pensar al hacer esta crítica, en esa fantástica escena en Annie Hall en donde Annie y Alvy están en la fila del cine escuchando la crítica de otro sobre la obra de Mcluhan, y seguramente, Allen como Mcluhan,  nos dirían que no sabemos nada sobre su cine, sobre su obra.

LOURDES LIMÓN.

Woody Allen; crítico social

Woody Allen; crítico social.




Bien conocido es en Woody Allen el carácter autobiográfico que reflejan sus películas, por tanto es fácil conocerle a él como persona mediante sus obras. Podemos conocer sus opiniones frente al psicoanálisis por ejemplo, frente a las relaciones sociales, a la ciencia, a la religión, a la fantasía, a la seducción, el amor o la historia. Esto se ejemplifican en películas completas que tratan sobre dado tema o en ocasiones se refleja en algunas secuencias, escenas o a veces incluso en alguna simple frase o gesto.

Me parece que las películas de Allen se pueden separar en dos grandes grupos, las cómicas (que son la mayoría) en primer lugar y las serias que son algunos de sus trabajos menos valorados en taquilla, pero que en mi particular punto de vista ofrecen algo aun más interesante que resaltar y rescatar. Sin embargo en ambos tipos de películas no deja de mostrar sus particulares puntos de vista, solo cambia la manera en que las transmite.

Para hablar de religión y ciencia encontramos las críticas a los rabinos, a los judíos (siendo él mismo criado en una familia judía) y a cualquiera que entregue su vida a la voluntad divina; así como también critica a los hombres vestidos con batas blancas que disecan animales para hacer mofa de los científicos. En “stardust memories” trata de entablar conversación con un monstruo afirmando que puede escucharlo porque es psicoanalista y tiene una pipa que lo demuestra para reírse de la figura del padre del psicoanálisis. O en “mighty aphrodite” hace también referencia a que el complejo de Edipo se ha convertido en una doctrina de costosas horas de 50 minutos. En “Bananas” toma desde un singular punto de vista la situación de los países centroamericanos, sus revoluciones y sus dictadores. Y en “Love and Death” nos hace reír a más no poder con sus cómica manera de ver el amor.

Me interesé principalmente en pensar lo que Allen tiene que decir en el terreno de lo social porque aparece en ambos tipos de películas que mencionaba anteriormente, quizás no de manera tan clara como otros temas, pero siempre presente. En todas las películas que he tenido oportunidad de ver de este director Newyorkino aparecen ciertas características políticas o sociales que nos hacen suponer sus perspectivas.

Una de las críticas recurrentes que realiza Woody Allen es sobre la clase social alta. Quizás es porque él se crio en una familia modesta que prefiere la sencillez de la clase media. Tanto en sus largometrajes como en su vida personal ha demostrado esta postura y como ejemplo podemos tomar las ocasiones que ha asistido a la entrega de los premios Oscar, han sido muy pocas e incluso no acudió cuando una de sus cintas había sido nominada al premio, y más marcada fue su ausencia cuando se decreto su victoria. Woody se defendió diciendo que tenía ensayo con su banda de jazz ese mismo día y por eso no pudo ir. De la misma manera en “Hannie Hall” finge una enfermedad con tal de no hacer la presentación de un premio en televisión.

De una manera más fuerte y cruda pone en descubierto esta postura en “Match point” donde aparecen dos personajes en situaciones parecidas (tienen una relación formal con una mujer, pero después embarazan a una amante y tienen que decidir qué hacer frente a tal problema), con la diferencia de que uno no tiene nada que perder al abandonar la relación formal pues es parte de una familia adinerada de Inglaterra; sin embargo el otro personaje depende de su relación formal para vivir desahogadamente en lo económico, hacerse de un lugar en una familia con poder y hacer algo de su vida que se había detenido por no poder continuar su profesión anterior. Posteriormente la película da un giro radical pero se alcanza a percibir que el personaje instalado en una buena situación económica pudo actuar con “impunidad”.

En la mayoría de sus películas aparece el mismo Allen como un personaje simple, sin mucho dinero, solo con lo necesario para sobrevivir, a pesar de que es un “famoso” comediante, guionista, soldado o dictador, haciéndonos pensar que de esta misma manera se maneja en la vida real.

En la película “Zelig” hace una divertida critica al hecho de querer imitar a alguien más, a no ser autentico con tal de encajar en la sociedad y las ideas o modas que la rigen.

Otro tema recurrente en los films de Allen son las relaciones sociales. La sexualidad en primer lugar, donde lo vemos hablando con su hijo de 8 años sobre la importancia de poner un nombre a su pene, o como la boca de una prostituta debería estar en un museo y los problemas de hacerse pasar por alguien más para tener sexo en “Deconstructing Harry”, resolviéndonos las dudas que podamos tener sobre el sexo en “everything you always wanted to know about sex *but where afraid to ask”, el hecho de que los hombres quieren sentirse superiores a la mujer mientras tienen relaciones en “Interiors”.

Dentro de este mismo tema a discusión se desprende lo referente a las infidelidades. También son muchas las películas en las que trata esta temática y un punto a resaltar es que lo hace desde diferentes puntos de vista. En “sueños de un seductor” toma el punto de vista de quien conquista a la mujer de su mejor amigo. En “Bullets over Broadway” y “Granujas de medio pelo” la situación se voltea y ahora desarrolla al esposo de una mujer que está siendo seducida por otro hombre, mientras que en “Hanna and her sisters” y “mighty aphrodite” toma el punto de vista de la mujer seducida que se encuentra entre el esposo y el amante, para terminar con “Vicky Cristina Barcelona” que es una mezcla de enredos en donde se encuentran todos los puntos de vista de todas las relaciones.

He hablado de muchas películas que ejemplifican lo que se puede encontrar de Woody Allen como critico social pero tendría que mencionarlas todas para intentar agotar sus ideas lo cual a fin de cuentas sería imposible.

Si este “resumen” ha parecido largo es por la gran cantidad de películas realizadas y por los muchos temas que aborda Woody Allen. Sin embargo hay dos temas sociales que en especial me gustaría comentar con un sustento más teórico, esto es la “ideología” ejemplificada en las risas enlatadas de Hannie Hall. Y la fantasía como soporte de la realidad en “the purple rose of Cairo”

En “el sublime objeto de la ideología” Slavoj Zizek comienza a plantear lo que él llama el utilitarismo racional, donde las personas inmersas en el capitalismo supuestamente hemos podido olvidar éste carácter presente en el feudalismo de relaciones sociales mistificadas. La observación de Zizek es que ahora los sujetos se perciben como libres de las supersticiones religiosas medievales y que cuando tratan unos con otros lo hacen como utilitaristas racionales. Con esto ¿Qué quiere decir Zizek? Que, ya que los productos del trabajo humano adquieren la forma de mercancía, las relaciones sociales adquieren la forma de relaciones (sociales) entre cosas. Y estas cosas (mercancías) creen en lugar de los sujetos. (lo que sea que el hombre produzca, como ropa o productos electrónicos es lo que rige la creencia en el sujeto de que es mejor, que se debe de tener o de rechazar, lo que es bueno y lo que es malo).Menciona además la proposición Lacaniana de que el psicoanálisis no es una psicología: las más íntimas creencias, incluso las más intimas emociones se pueden transferir sin perder su sinceridad… el coro en la tragedia clásica está para sentir el pesar y la compasión en lugar de nosotros… Continua Zizek: así por medio del coro cumplimos nuestro deber de duelo mientras podemos hacer uso de nuestro tiempo para asuntos más provechosos.

Ahora todo esto se encuentra de una manera más que clara en las “risas enlatadas” de las series de televisión y que Woody Allen también critica en “Hannie Hall”. Zizek se pregunta entonces ¿Por qué la risa? Y encuentra dos respuestas, la primera es que el recordarnos cuando tenemos que reír implica la paradoja de la risa como obligación. Y la segunda es que el Otro encarnado en la televisión nos descarga de la obligación de reír, ríe por nosotros. Zizek concluye diciendo que la creencia, lejos de ser un estado íntimo, se materializa en nuestra actividad social efectiva. La creencia sostiene la fantasía que regula la realidad social.

Esto cobra un interés especial porque liga el otro tema que me interesa trabajar: la fantasía social en “The purpple rose of Cairo”.

¿Qué es lo que vemos en esta película? Una pareja americana como de mitad del siglo pasado, él no trabaja, y ella mantiene la casa con su trabajo de mesera. Ella ya no es feliz ni con su matrimonio ni con su trabajo, el único lugar donde encuentra algo de alivio es en las funciones de cine a las que va cada que puede. Llega a su pueblo el estreno de una película titulada “la rosa purpura del Cairo” y queda fascinada. Tras un fuerte problema con su pareja se refugia en el cine viendo una y otra vez esta cinta hasta que el personaje principal de la película se da cuenta que esta mujer los ha estado viendo actuar durante todo el día. La película toma vida propia y el protagonista sale de la pantalla para tomar a la mujer y que le enseñe el mundo real, abandonando su papel en la película.

En la oposición entre sueño y realidad, la fantasía está del lado de la realidad.

En el texto de “Kafka critico de Althusser” Zizek parte de esta frase de Lacan para hacer una lectura de cómo la ideología es una construcción de la fantasía que funge de soporte a nuestra realidad... una ilusión que estructura nuestras relaciones sociales reales y por ello encubre un núcleo insoportable, real, imposible. Lo que quiere decir en pocas palabras es que La realidad es una construcción de la fantasía que nos permite enmascarar lo real de nuestro deseo.

Esta postura me pareció interesante ya que comúnmente se cree que La función de la ideología es ofrecernos un punto de fuga de nuestra realidad social.

Entonces ¿cómo podría pensarse la película desde esta lectura? Evidentemente la protagonista (Mia Farrow) era infeliz en su matrimonio, y su pareja le echa en cara en varias oportunidades que ella solo amenaza con irse de casa pero nunca lo cumple. Si lo intenta un par de ocasiones pero al frustrársele los planes no ve otra opción que regresar a casa con su esposo.

Si bien la película juega con la idea de dejar la duda si el personaje salido de la pantalla es mera fantasía de la protagonista o en realidad está pasando, el hecho de que todo se detone a partir de ella me hace pensar que si es creación de ella. Además que nos ayuda a pensar lo que dice Zizek sobre cómo esta fantasía crea sus relaciones sociales

Tendríamos entonces que pensar a que deseos ocultos o reprimidos responde su ilusión. Principalmente esta el irse de casa, alejarse de su esposo. Se debe tener cuidado en no suponer precisamente lo que Zizek piensa como erróneo, no irnos con la finta de que su fantasía le sirve para huir de su realidad social, ¿habría que decir entonces que alguna ventaja o provecho saca de su situación?

Existe otro elemento importante el actor que supuestamente interpreta al personaje que sale de la pantalla visita a la protagonista para decirle que convenza al personaje de regresar a la película.

Si se piensa en que todo fue una ilusión creada por la protagonista entonces también la visita del actor, (ya que es por asunto referido a su ilusión) podría ser parte de la misma fantasía, no se puede pensar si una cosa es real o no, si el actor es más real que su personaje. Su realidad reprimida está en casa, quizás el aceptar las ganancias que tiene allí con su esposo, (Hemos construido esta figura para eludir un punto muerto de nuestro deseo) por más que aparentemente no la trate como debería, que sea flojo y le deje el peso del mantenimiento. La fantasía no reprime el hecho de querer quedarse reafirma el hecho de querer quedarse y creo que la muestra clara es que al fin de cuentas rechaza al personaje, (que la trataba bien, la atendía y le prometía trabajar para sobrevivir juntos) prefiere al actor de quien sabia en cierta manera que no podría quedarse con ella (ella lo admiraba como una cinéfila admira a su actor favorito). Este también la abandona y al fin de la película aparentemente resignada y triste regresa a casa con su esposo.



• El sujeto tiene posibilidad de obtener algún contenido una especie de consistencia positiva también fuera del gran Otro. Esta otra posibilidad la ofrece la fantasía haciendo equivalente al sujeto a un objeto de la fantasía.

• La única manera de romper el poder de nuestro sueño ideológico, es confrontar lo Real de nuestro deseo que se anuncia en un sueño.

Frases de Woody Allen.

• "Dios es o bien cruel o bien incompetente."

• "El mago hizo un gesto y desapareció el hambre, hizo otro gesto y desapareció la injusticia, hizo otro gesto y se acabo laguerra. El político hizo un gesto y desapareció el mago."

• "La diferencia entre la comedia y la tragedia es que en la comedia sus personajes encuentran la forma de sobreponerse a la tragedia."

• "La noche de bodas, mi mujer se detuvo en mitad del acto y se puso de pie en la cama para aplaudirme."

• "La realidad es un asco, la odio, la odio; pero ¿en qué otro sitio se puede encontrar un buen bistec para la cena?"

• "La única manera de ser feliz es que te guste sufrir."

• "La vida está dividida entre lo horrible y lo miserable." (Annie Hall, 1977)

• "Los intelectuales son como la Mafia. Sólo se matan entre ellos"

• "Los mosquitos mueren entre aplausos."

• "Mi psicoanalista me advirtió de tu bisexualidad, pero eras tan guapa que cambié de psicoanalista." (Manhattan, 1979)

• "Mi psiquiatra murió hace tres años, pero aún no me he enterado."

• "No puedo escuchar mucho a Wagner porque enseguida me entran ganas de invadir Polonia." (Manhattan murder mystery, 1993)

• "Para usted, yo soy ateo; para Dios, soy la Leal Oposición."

• "¡Si Dios tan solo me diera una clara señal!..., como hacer un generoso depósito a mi nombre en un banco suizo."

• "¡Si Dios existe, espero que tenga una buena excusa."

• "Vamos a ver, Miles, tú no crees en Dios, ¿verdad? Ni tampoco en la ciencia, ni tampoco en la política... ¿Hay algo en lo que tú creas?"

"Sólo en dos cosas: en el sexo y en la muerte, dos cosas que he experimentado en vida y se me antojaron muy reales."

(El dormilón, frases finales de la película)

• "Hoy en día la fidelidad solo se ve en los equipos de sonido."

• "La inactividad sexual es peligrosa, produce cuernos."

• "Los japoneses no miran, sospechan."

José Alejandro Díaz Ramírez

CINE CLÁSICO

Para comenzar a hablar sobre cine clásico creo que vale la pena aclarar el término “clásico”.



En lo que al concepto de clásico se refiere, Wikipedia lo define de la siguiente manera:

• Clásico significa digno de imitación (del latín classicus: perteneciente a una clase, particularmente a una clase superior respecto de una inferior; o sea, lo que debe tomarse como modelo por ser de calidad superior.

Sin limitarse a ninguna época o civilización en concreto, se reserva el calificativo de clásicas a las producciones culturales que alcanzan el rango de lo sublime.


Se concluye entonces de esta definición que tiene más que ver con su calidad que con su temporalidad.


Aquí otras definiciones de “clásico”.


• Relativo a la literatura o al arte de la antigüedad griega y romana, y a sus imitadores.

• Que se adapta a lo marcado por la costumbre o la tradición.


o Clásico americano (término comúnmente utilizado para designar los productos culturales estadounidenses considerados sublimes).


• Se aplica a la música de tradición culta, por oposición a la ligera o moderna


• Que, por su importancia o valor, ha entrado a formar parte de la historia:


Respecto a la primera definición vale la pena subrayar que siempre se alcanza a detectar un rasgo de antigüedad en lo que a clásico se refiere, a pesar de que en la pasada definición se elimina la temporalidad. Esto me parece se explica por el a posteriori. Una película no se gesta como un clásico, el “rango” de clásico se colorea una vez realizada la película. Como ejemplo está “The Godfather” (el padrino); según se cuenta el director George Lucas se asocia con un tal Francis Ford Coppola para crear su propio estudio de producción (“American Zoetrope”), pero al fracasar económicamente con algunos proyectos ambiciosos tienen que hacer películas no tan ambiciosas pero de donde podrían sacar algo de dinero para saldar sus deudas. Resulta que a Coppola le proponen hacer “una película de Gangsters de bajo presupuesto” llamada “The Godfather”.


Esta segunda definición también problematiza la definición de Clásico, pues delimita a una espacialidad. También se podrá hablar de cine clásico Americano, o cine clásico Mexicano.


Así se puede categorizar como cine clásico películas como “El día de la independencia”. ¿Qué puede ser más clásico que una película donde se celebre el día de la independencia mundial en un cuatro de julio con juegos artificiales, salvando al planeta, encontrando la manera de derrotar al mal, la tierra entera agradeciendo a los Estados Unidos por su conocimiento científico y su valentía? Solo faltó que le llevaran la democracia a los extraterrestres. O “La Ley de Herodes” puede ser una película clásica mexicana por mostrar la codicia y la corrupción de los gobernantes con poder, aunque este sea solo en un pueblo casi sin habitantes.


Me parece que lo que se distingue aquí es “la realidad social”. ¿Será que viendo una película de cierto país o cierto tiempo se pueda entender su realidad social? Desde esta definición de clásico así se puede entender y son este tipo de películas las que se convierten en Iconos de una cultura.

Sobre la tercera definición se entiende que la palabra clave es “culta”; concepto también problemático del que no se puede ahondar mucho en este momento pero solo cabe decir que a veces solo porque una película no se comprende ya se coloca como “culta” y claro que hay muchas películas incomprensibles que no por ello son cultas. Claro que hay mucho de culta en una película clásica por el rasgo mencionado del alto nivel de técnica con que es hecha. Y en contraposición una película que no pretende ser culta pone mayor interés en que la historia simplemente llegue a mayor cantidad posible y en algunos casos se convierta en un kitsch alejándose radicalmente de la posibilidad de ser un clásico. También llama la atención que la definición coloca lo culto como contraposición a lo moderno; otro hecho problemático, pues ni que no se hicieran obras cultas y modernas.


En cuanto a la cuarta y última definición que aquí tomo en cuenta resalto la frase “formar parte de la historia”. Una época puede ser recordada por una película en específico y viceversa una película nos puede hacer referencia a una época pero lo verdaderamente importante es que el film es recordado.


Además yo agregaría otra característica que puede empujar una obra al lugar de lo clásico, y este es el del carácter revolucionario. A lo largo de la historia del cine han existido nuevas técnicas tanto en lo que tiene que ver con lo técnico como con la manera de contar una historia, en este sentido han quedado marcadas en la historia películas como King Kong por sus efectos especiales, Toy Story por su animación 100% a computadora, Matrix por el famoso “Bullet Time”, y las que están tan de moda el llamado género “What is Real?” como desde “el sexto sentido”, “los otros”, o más reciente “El origen”.

Entonces; una película no es clásica por el hecho de ser antigua o por reflejar una tradición, ni por ser culta o formar parte de la historia, así como tampoco por ser solamente de gran calidad.


Incluso diría yo que ni aun cumpliendo con todas las características se puede hablar de una película estrictamente clásica.


¿Entonces que más se necesita para llegar a ocupar este lugar?


Yo pienso que no todas las películas que cumplen estas características son clásicas, pero un clásico debe cumplir estas características más (y esta es las condición que desde mi punto de vista crea la excepción) el carácter de sublime en un sentido Psicoanalítico.


Los sublime se relaciona con la belleza, ¿Pero qué hace la diferencia entre estos dos conceptos? En primer lugar; la belleza tiene como resultado una tranquilidad, conforta, da placer, y se concibe como una armonía, mientras que lo sublime es el punto de ruptura en la belleza, cabe resaltar que no es lo contrario, solo el punto donde se quiebra porque la sublimidad excita, agita, desconcierta, se vincula con fenómenos caóticos, aterradores, ilimitados, pero aun así provocan placer, pero un placer solo a través de la mediación de displacer.


Según Kant: lo sublime se puede describir de esta manera: es un objeto (de la naturaleza) cuya representación determina a la mente a que contemple la elevación de la naturaleza fuera de nuestro alcance como equivalente a una presentación de las ideas.


Y Lacan en “la ética del psicoanálisis”: un objeto elevado al nivel de la Cosa (imposible).


A que más se puede acercar esto si no es a lo Real

Es una relación entre el mundo interior con lo real inalcanzable, como un intento de simbolizar lo no simbolizable, pero sobre todo nos remite a este fracaso. Cabe aclarar, lo sublime no es el intento, sino el fracaso de ese intento, más aun, la imposibilidad de representar, de simbolizar la Cosa, pero sin embargo este constante fracaso nos permite intuir la verdadera dimensión de la Cosa Real.

¿Qué es esa Cosa Real, que tiene que ver con nosotros, porque su importancia, porque lo sublime que lo bordea nos provoca placer y displacer?


Provoca displacer por confrontarnos con la Cosa, por animarnos a acercarnos a ella, como un vértigo, pero por su carácter de fracaso, ya que esta confrontación siempre será fallida nos recupera placer, de un lado de la brecha nos invita a presentir la grandeza de la cosa, pero con esta brecha de por medio.


¿Cuántas veces no hemos salido del cine o sacado el disco del DVD aturdidos por la película que acabamos de ver? Y repasamos le película, le damos vuelta, tratamos de recordar los mínimos detalles, nos distrae de las actividades cotidianas, nos angustia, le ponemos otros tintes, las llevamos a nuestras actividades, la pensamos como algo personal… se convierte en una pregunta, aparece la falta, nos confronta con el núcleo duro constituido como un vacío, lo real que nos habita.


Aquí quisiera recordar la película “Play It Again, Sam” (Sueños de un Seductor) escrita por Woody Allen. La película comienza con la escena final del clásico “Casablanca” en la que se despide el protagonista de su amada para que ella tome un avión que la libere de Casablanca y la una con su esposo. El protagonista de esta película, interpretado por Woody Allen sale del cine conmovido casi hasta las lágrimas a pesar de haber visto esa película ya varias veces. A lo largo de la película Humphrey Bogart, protagonista de Casablanca y galán seductor de Hollywood se le aparece a Woody Allen confrontándolo con su severa timidez e incapacidad para seducir a una mujer. El punto máximo de este trastoque en la vida del protagonista se da cuando tiene que despedirse de esta mujer en un aeropuerto alentándola a que tome el avión en el que va su esposo porque si no “se puede arrepentir por toda su vida” repitiendo textualmente las palabras de la película “Casablanca”.


¿Qué es esa cosa real que habita en el sujeto, a que se acerca una película sublime?


Dije hace unos momentos que una película se convierte en una pregunta, y quisiera partir de aquí. En “el sublime objeto de la ideología” de Slavoj Zizek cita a Aron Bodenheimer, quien formula la tesis de que “hay algo obsceno en el acto mismo de preguntar” no tiene que ver con el contenido de la pregunta, el puro hecho invade la intimidad, expone, y un ejemplo claro de esto es la pregunta de un niño a su padre, una pregunta como “¿Por qué el cielo es azul?” al niño después parece importarle poco el cielo, más bien le interesa encontrar la falta en el gran Otro. Lo que produce en el padre es vergüenza porque apunta a lo más interno, a lo más íntimo. Ese extraño objeto en mi interior “en mi más que yo”.


Para concluir con esto y dar consistencia a este asunto de lo Real en el sujeto habrá que recordar que para Lacan, el sujeto tiene un grado pre-simbólico (por tanto Real), vacío, algo que ha estado antes de cualquier simbolización y que posteriormente es llenado, un agente que al irse llenando de esta manera trata de expresarse en el lenguaje, pero que también vale decir nunca el lenguaje logra dar en el clavo de este punto pre-simbólico y siempre dirá demasiado poco o en exceso.


Entonces para concluir; se puede crear un debate en el que se discuta si una película se convierte en clásica por tener grandes dotes técnicos o por ser sublime en el sentido apenas expuesto, pero este debate es el que abre la posibilidad de una respuesta, no para quedarse con una postura o la otra, sino porque un film que tiene estos dos elementos llega al grado de Clásico.


José Alejandro Díaz Ramírez.

Entre ollas y sartenes, Como agua para chocolate

Hablar de Como agua para chocolate (1989) no sólo es hablar de recetas y remedios caseros, va más allá. En la primer novela de Laura Esquivel recorremos las historias que envuelve la familia de los de la Garza a partir de las narraciones escritas por Tita, la hija menor de la familia en un libro donde sus recetas marcan el paso por las diferentes épocas de su vida, relatadas por la sobrina nieta, nuestra narradora, que siguiendo la lógica de Tita al nombrar a su sobrina Esperanza, yo la nombraré Gloria, más adelante explicaré.




Laura Esquivel, apasionada de verdad

No podemos comenzar nuestro análisis sin antes hablar de la autora. Escritora mexicana, nacida el 30 de septiembre de 1950. Cursó estudios de Educación, así como de Teatro y Creación Dramática. Se dedicó a la docencia y escribió obras de teatro infantil y guiones de cine.

No es fortuito que haya escrito una novela como la que comentamos en esta noche ya que declarándose una amante de la cocina nos muestra que el arte culinario no es simplemente una actividad cotidiana es una ceremonia, es la apreciación espiritual del cocinar con placer, pues parte del amor siempre está presente.

La novela obtuvo muy buenas críticas y un gran éxito de ventas, no por algo es el libro de ficción más vendido en México. En 1992, el actor y director de cine Alfonso Arau, su esposo en aquel entonces, realiza la película basada en la novela homónima, trabajo que le galardonó con el Premio Ariel, consiguiendo diez reconocimientos, incluyendo el de mejor película, mejor dirección y mejores interpretaciones masculina y femenina. Más tarde, para 1994, recibe el premio American Bookseller Book of the Year (ABBY) de Estados Unidos

entregado por 1era. vez a un escritor extranjero.

Laura Esquivel ha continuado escribiendo otras obras como La ley del amor (1995), Íntimas suculencias (1998), Estrellita marinera (1999), El libro de las emociones (2000), Tan veloz como el deseo (2001) y Malinche (2006). Su línea literaria se inscribe en narraciones y ensayos sobre “recetas” de amor, sobre la difícil situación pero promisoria de la mujer en el mundo actual, sobre la guerra de la conquista de Hernán Cortés ambientada en la ciudad de México. Sin embargo, para nuestro análisis partiremos de la novela que por su trascendencia social ha significado un fenómeno muy interesante dentro de la cultura mexicana.

No hay amor más sincero que el amor a la cocina, argumento

Tita, una enamorada de la cocina está condenada a permanecer soltera, cuidando de su autoritaria madre hasta que ésta muera. Pero se enamora de Pedro quien, para estar cerca de ella, se casa con su hermana Rosaura.

Las recetas que Tita elabora siempre van acompañadas por la ausencia de Pedro, la ausencia del amor y la comprensión, encontrada únicamente en la cocinera del rancho, Nacha. Luego de idas y vueltas en su amor con Pedro, Tita se libera espiritualmente y es mandada por Mamá Elena a un asilo mental. En realidad va a parar a la casa de John Brown, el médico, quien se enamora de ella y le proporciona los cuidados necesarios para lograr esta libertad espiritual tan anhelada.

Posteriormente de un violento ataque por unos rebeldes al rancho, Mamá Elena se ve imposibilitada de caminar y Tita vuelve para cuidarla. Se reencuentra con los malos tratos, pero esta vez no la dominan. Al morir su madre, Tita se queda viviendo ahí con Pedro, Rosaura y la hija de ambos, Esperanza, a quien cuida y alimenta. Recibió una propuesta de matrimonio del Doctor Brown, pero la rechaza luego de ser “deshonrada” por Pedro y ante la sospecha de un embarazo, el cual sólo resulta un desarreglo en su ciclo menstrual.

Luego de muchos años, cuando Esperanza ha crecido, se produce la boda de ella con Alex, el hijo de John Brown y al terminar la celebración e irse lejos del hogar, Tita y Pedro finalmente se encuentran solos en la casa, pues Rosaura había fallecido un año atrás. Esa misma noche, sin las presiones de ser escuchados o encontrados, se disponen a hacer al fin el amor libremente. Fue tan grande esta emoción que Pedro muere en el acto, y Tita, al perder al amor de su vida, decide suicidarse.

Y hoy, ¿qué comemos?

Una manifestación del arte y de la cultura es la cocina en México. Ninguna región carece de tradición culinaria, presente desde sencillos guisos diarios hasta complejos y elaborados platillos para celebraciones especiales.

La importancia de la cocina se recalca en el recorrido que vamos haciendo por la novela, lo cual nos permite verificar tradiciones como la variedad en la manera de preparar sardinas, pasteles, codornices, mole, chorizo, caldos, frijoles, chocolate, y hasta cerillos. Sin embargo aunque pareciera común este enlistado, no podemos deslindar de nuestra historia el aspecto mágico de las narraciones acompañadas de olores y sabores descritos en doce platillos.

El texto es buen ejemplo del realismo mágico gracias a que la realidad narrativa se funde con elementos fantásticos y fabulosos.



Realismo mágico, puente entre el mundo manifiesto y el latente

Durante las últimas décadas la novela ha experimentado en Hispanoamérica un auge extraordinario. Las causas de todo ello obedecen a una serie de condiciones de tipo político, social y cultural que se desarrollaron fuertemente en las décadas del '60 y '70, producto de las diferencias entre dos visiones que convivían en ese momento: la cultura de la tecnología y la cultura de la superstición, pero desde 1955 se ha usado el término “realismo mágico” con creciente frecuencia para describir la narrativa latinoamericana.

El realismo mágico surge en el mundo de las vanguardias europeas de los años veinte. El alemán Franz Roh lo acuñó y años después Arturo Úslar y Alejo Carpentier actualizarían estos términos en América, Carpentier propuso una nueva forma de narrar. En el prólogo de su obra El reino de este mundo (1949) parte de una premisa fundamental: “para admitir lo maravilloso es necesario la fe; las creencias son las que cambian el mundo”; así, esta corriente ostenta lo maravilloso como algo cotidiano y la magia como parte de la vida.

Entre sus principales exponentes están el guatemalteco Miguel Ángel Asturias y el colombiano Gabriel García Márquez, ambos galardonados con el Premio Nobel de Literatura, aunque muchos aclaman como padres del realismo mágico a Juan Rulfo con Pedro Paramo, Pablo Neruda; y bueno, no podemos dejar de mencionar a Laura Esquivel con Como agua para chocolate.



El más poderoso hechizo para ser amado es amar

El realismo mágico, por lo tanto presenta un interés en mostrar lo irreal o extraño como algo cotidiano y común como sucede a lo largo de la historia con cada una de los “hechizos” que Tita en la cocina era capaz de formular reflejando sus estados de ánimo y contagiar a todo el que comiera de sus guisos. Revisemos:

1er. hechizo: tristeza

“Lo malo de llorar cuando uno pica cebolla no es el simple hecho de llorar, sino que a veces uno empieza, como quien dice, se pica, y ya no puede parar” (pág. 13)

Sucede cuando al preparar el pastel de bodas de Rosaura y Pedro fue tal su tristeza y repulsión que al momento de probarlo todo los invitados sintieron gran aflicción que hasta Mama Elena derramó una lágrima en añoranza por el verdadero amor.

2do. hechizo: deseo

“Parecía que el alimento que estaba ingiriendo producía en ella [Gertrudis] un efecto afrodisiaco, pues empezó a sentir que un intenso calor le invadía las piernas. Un cosquilleo en el centro de su cuerpo no la dejaba estar correctamente sentada en su silla” (pág. 57)

Cocinó un platillo con los pétalos de rosas que Pedro le había obsequiado, pero a la prohibición de Mamá Elena de conservarlas decide preparar codornices en pétalos de rosas y que por arte de magia al primer bocado entre Tita y Pedro experimentan una relación sexual casi platónica contagiando de ese deseo incontrolable a todos los invitados.

3er. hechizo: alegría

“Pedro y Roberto le pertenecían y ella no necesitaba nada más en la vida” (pág. 83)

Ahora el platillo era en honor al bautizo de su sobrino, que con verdadero entusiasmo se dispuso a preparar con un día de anterioridad. Entre todos los invitados ella era realmente la única molesta por la actitud de Mamá Elena, pero después de comer el mole, todos habían entrado en un estado de euforia que los hizo tener reacciones de alegría poco comunes. Reían y alborotaban como nunca lo habían hecho.

4to. hechizo: coraje

“Tita literalmente estaba como agua para chocolate. Se sentía de lo más irritable” (pág. 150)

Fue tan grande el enojo y la frustración de Tita sumado al hecho de que Pedro se negó a permitir el casamiento de Tita con John que logró un nuevo hechizo alimenticio: deseando que esas palabras se pudrieran en el fondo de las entrañas de Rosaura, Tita hizo que desde ese día su hermana sufriera constantes y pestilentes contracciones digestivas.

5to. hechizo: pasión

“Pedro rozaba tiernamente su mejilla con la de Tita, y ella sentía que la mano de Pedro en su cintura la quemaba como nunca” (pág. 229)

En la boda de Esperanza y el hijo de John Tita prepara chiles en nogada los cuales provocan entre los comensales, un enorme deseo de tener sexo con alguien por lo que con uno u otro pretexto y con miradas libidinosas se retiraron del festejo nupcial.



La cocina asume proporciones verdaderamente mágicas. Por lo tanto, la transformación de este lugar cotidiano, de los manjares-hechizos que se logran a través de las manos de Tita son la evidencia de la espiritualidad independiente manifestada con sus sentimientos y el interés por lo que le rodea.



Conocer el amor de los que amamos es el fuego que alimenta la vida

La presencia del fuego dada por la explosión del fosforo nos obligan a pensar en destrucción, muerte y siguiendo la interpretación que el diccionario de símbolos ofrece al tratar el tema, muerte libera las penas y las preocupaciones, no es un fin en sí; abre el acceso al reino del espíritu, a la vida verdadera. En este sentido la muerte de Tita y Pedro es la puerta de la vida, libran del maleficio.



La gloria eres tú

Como comprobamos la autora habla de sensualidad, sexualidad, amor, pero al mismo nivel trata la libertad representada en el nacimiento de Esperanza, sobrina de Tita y Gloria, nuestra narradora.

Una Gloria que no llegó de la noche a la mañana pasó por cuatro generaciones. Mamá Elena, de formación rígida y autoritaria, con un amor prohibido y secretos tormentosos; sus tres hijas, de las cuales por la personalidad que las define no alcanzan el objetivo último. Mientras que Rosaura, la más preocupada por conservar las costumbres familiares, sigue al pie de la letra toda tradición sin cuestionamientos; Gertrudis, aunque libre y rebelde tiene que alejarse de las normas huyendo se su casa y así encontrar el camino; y Tita, nuestra heroína, mujer sometida a interminables peleas y abusos físicos por parte de su madre, es quien busca cambiar las cosas, transformarlo; sin embargo, son Esperanza y la sobrina nieta, Gloria quienes rompen definitivamente con el conjuro al vivir libremente fuera de gritos ahogados, anulaciones, enjuiciamientos, silencios y condenas.

Amar sin deseo es peor que comer sin hambre.

Gabriela Horta García.

Lic. Letras Hispánicas

Referencias:

 Como agua para chocolate, Esquivel Laura, Ed. Booket, 2008, México,

D.F., pp. 238.

 Historia verdadera del realismo mágico. Seymour Menton. Fondo de Cultura Económica, México, 1998, pp. 11-88.

 El realismo mágico en la novela hispanoamericana. José Luis Sánchez Ferrer, Ed. Anaya, España, 1999, pp. 43 y 44.

 http://es.wikipedia.org/wiki/Como_agua_para_chocolate_(novela)

 http://www.monografias.com/trabajos16/agua-para-chocolate/agua-para-chocolate.shtml

 Diccionario de los símbolos. Chevalier, Jean-Gheerbrant, Alain, Ed. Editorial: Herder, España, pp. 1625